Formes d’écriture et processus de création
Le 29 mars 2018, s’est tenue à l’ENSAD, une journée d’étude « Formes d’écriture et processus de création » s’inscrivant dans le projet de recherche « Prendre le parti des choses. Publications hybrides sur les processus de création » qui interroge les nouvelles formes d’enquêtes au croisement des sciences sociales et des arts.
Ce projet de recherche dirigé à EnsadLab par Francesca Cozzolino (enseignante-chercheure, Ensadlab/Lesc) avec la collaboration de Pierre-Olivier Dittmar (maître de conférences, EHESS, Techniques&Culture) et le soutien de l’Université PSL dans le cadre du projet IRIS «Création, cognition et société» et de la Chaire arts et sciences de l’École polytechnique, de l’EnsAD-PSL et de la Fondation Daniel et Nina Carasso.
Lors de cette journée ont été présentées des écritures alternatives de la recherche, des restitutions de terrain et ainsi que des nouvelles formes de co-écriture provenant de la rencontre entre chercheurs en sciences humaines, artistes et designers.
Les premiers ont considérablement élargi la perception des mondes de l’enquête et les manières de décrire empiriquement des phénomènes. Les chercheurs en art et en design n’ont pas cessé de produire des nouvelles formes pour rendre publiques leurs recherches, et d’expérimenter des modalités hybrides d’écriture. Ces nouvelles pratiques inscrivent chaque jour un peu plus leurs recherches au sein des différentes formes de production de savoir.
L’écriture propre à l’étude de la création est au cœur de cette journée dont l’un des enjeux est de repenser les conditions dans lesquelles la pluridisciplinarité est exercée et les formes d’écriture qu’elle produit.
L’analyse des processus de création, manière d’appréhender les œuvres en tant que « produits d’un faire », suscite aujourd’hui un nombre toujours croissant de réflexions et de travaux en sciences sociales, comme en témoignent la multiplication de colloques et programmes de recherche centrés sur le thème de la création. Renouvelant un lien ancien entre art et anthropologie, ces approches ethnographiques de la création ouvrent la voie à une nouvelle appréhension de l’art. Ils déplacent l’attention de l’artiste vers les objets et les processus, c’est-à-dire les interactions, les actes et les gestes qui donnent naissance à une œuvre et à sa circulation. Cette démarche analytique semble trouver aujourd’hui une nouvelle actualité dans le monde de l’art contemporain et du design et produire des nouvelles formes d’enquêtes.
En effet, depuis une dizaine d’années, les associations entre anthropologues, artistes et designers se multiplient et produisent des formes de connaissance où les pratiques se croisent et les savoirs se combinent. D’une part les chercheurs en anthropologie et en sciences humaines en générale, sont de plus en plus nombreux à vouloir dépasser la narration textuelle et à explorer de nouvelles formes de narration qui passent par l’expérience visuelle, le corps, l’émotion, la perception, l’action. De l’autre dans le monde artistique, se multiplient les postures réflexives de créateurs qui, par leurs pratiques plastiques, interrogent les modes d’existence des projets artistiques et les modalités de la création en art et en design.
Ces deux postures ont été explorées tout au long de cette journée d’études qui s’est articulée autour de deux séances. La matinée, intitulée « Au-delà du texte. Quand les sciences humaines et sociales s’emparent des nouvelles formes de narration », interroge comment certaines formes d’écriture artistique (graphisme, bande-dessinée, film ethnographique, dessin, data visualisation, exposition) viennent inspirer et transformer les pratiques des chercheurs en sciences humaines et sociales. Comment rendre compte et analyser des processus de création par de nouvelles formes d’écriture davantage liées aux situations observées ?
La seconde séance, intitulée « Hybridations. Recherches artistiques aux prises avec l’anthropologie » regroupe des démarches à la croisée de l’art, du design et des sciences sociales, qui emploient des supports et des médias différents pour développer des formes narratives singulières. Celles-ci invitent à des lectures interactives en impliquant davantage le geste et le lecteur. Comment tirer parti des pratiques plastiques qui permettent de construire des nouvelles structures narratives ?
Fréderic Joulian
Maître de conférences, Centre Norbert Elias, EHESS, Marseille. « Le projet “Anthropo-Graphiques” ou pourquoi aller et venir dans un comic-strip ».
La bande-dessinée comme art populaire et comme art savant offre à l’anthropologue, et plus largement au chercheur en sciences humaines, un champ de possibles encore peu exploité dont je tenterai dans cette brève présentation de montrer quelques aspects cruciaux tant du point de vue situé de l’enquête et du terrain, que du point de vue cognitif et heuristique général. Me fondant sur le projet « Anthropo-Graphiques » et sur la réflexion menée depuis quatre ans à Marseille avec Pierre-Olivier Dittmar dans le cadre du séminaire collectif « Une autre façon de raconter », j’essaierai de montrer l’avantage qu’il peut y avoir à métisser différentes intellections et expressions graphiques et analytiques pour résoudre certaines questions de l’anthropologie liées à l’altérité, qu’elle soit morphologique, chronologique ou culturelle. Je tenterai également de sortir de la question narrative seule en abordant le problème de l’objectivation des savoirs discontinus (non séquencés et narratifs), qui peuvent provenir tout autant de la praxis, des routines gestuelles, des émotions olfactives, … que des constructions visuelles.
Baptiste Buob
Anthropologue, Directeur adjoint du Lesc, Laboratoire d’Ethnologie et de Sociologie Comparative, CNRS/Université Paris Nanterre. « Au-delà de la captation et de la documentation. Maîtres fous, ciné-danse et film organique ».
En décembre 2016, j’ai rencontré la compagnie de chorégraphie contemporaine Dodescaden alors qu’elle commençait à élaborer une performance s’inspirant du film Les Maîtres fous de Jean Rouch. Rapidement, j’ai trouvé une place sur le plateau lui-même, devenant, à la façon d’un avatar contemporain de Jean Rouch, un cinéaste filmant chaque performance tout en y étant intégré. Mon intervention consistera dans un premier temps à décrire le processus d’élaboration de cette création qui repose pour partie sur l’improvisation agissante de chacun des participants et proscrit toute forme trop figée. Dans un second temps, je ferai état de nos réflexions actuelles visant à penser une forme de restitution des films tournés tout au long de la création qui ne vienne pas arrêter un processus se nourrissant pour partie de l’aléatoire et de transformations successives. Comment penser un mode de restitution qui, par analogie, puisse témoigner d’un processus vivant?
Arnaud Dubois
Anthropologue, chargé de recherche au Musée des Arts et métiers, Paris. « L’exposition comme restitution d’une enquête ».
Cette communication mettra l’accent sur la façon dont l’exposition Les Meilleurs Ouvriers de France, dont j’ai assuré le commissariat au Musée des arts et métiers, a mis à profit une narration de l’enquête ethnographique par le geste pour informer des collections d’arts industriels du XIXe siècle. En décrivant les actions mises en œuvre sur le terrain et dans le musée pour documenter les gestes techniques et redéployer une collection d’arts appliqués aux métiers depuis longtemps oubliée dans les réserves, je montrerai en quoi cette exposition participe d’un programme de recherche d’anthropologie des techniques.
Christophe Leclecq
Enseignant à l’École du Louvre, chercheur associé au médialab de Sciences Po. « E.A.T. datascape, un instrument pour sonder la complexité des travaux réalisés en commun ».
En s’intéressant conjointement à la vie des oeuvres et à celle des artistes et autres acteurs impliquées dans leur conception, réalisation, exposition et fortune critique, l’E.A.T. datascape, mise en oeuvre à l’occasion du traitement des archives de l’organisation Experiments in Art and Technology (E.A.T.), se présente comme un instrument d’exploration et d’analyse des traces laissées par ces acteurs à travers de nombreuses ressources. Fournissant vues synoptiques, séquentielles et réticulaires, le datascape se propose ainsi d’étudier au plus prêt la complexité de travaux interdisciplinaires réalisés en commun, et, ce faisant, remet en question quelques présupposés ou réflexes propres à l’histoire (sociale) de l’art. En prenant pour exemple la performance Homage to New York de Jean Tinguely, et Oracle de Robert Rauschenberg, on s’efforcera en effet de montrer combien cette approche alternative et les nouvelles possibilités de lecture qu’elle propose, modifient en retour l’idée que nous faisons des oeuvres d’art contemporain, comme de leur soit-disant “contexte”.
Francesca Cozzolino, Lucile Haute, Benoît Verjat
Francesca Cozzolino, Enseignante-chercheure, EnsadLab, laboratoire de recherche en art et design de l’EnsAD, Université PSL, Paris. Chercheure affiliée au Laboratoire d’Ethnologie et Sociologie Comparative (LESC, UMR 7186 CNRS/Université de Paris Nanterre)
Lucile Haute, Maîtresse de conférences en design à l’Université de Nîmes, chercheuse associée à EnsadLab
Benoît Verjat, designer, chercheur associé à EnsadLab. « LA CRÉATION EN ACTES. UNE PUBLICATION HYBRIDE SUR UNE EXPOSITION EN TRAIN DE SE FAIRE ».
Lors de cette communication nous rendrons compte d’une expérience de publication expérimentale issue d’un travail pluridisciplinaire engagé à EnsadLab entre une équipe de chercheurs en art et en design et une anthropologue. Le parti pris de cet ouvrage est de proposer des agencements visuels et sonores et des modalités interactives permettant une narration qui témoigne de la création en actes.
En effet ce projet éditorial s’appuie sur une enquête proposant une approche matérielle, interactionnelle et processuelle de la création à partir d’une documentation de l’exposition « Typoéticatrac. Les mots pour le faire », du graphiste Pierre di Sciullo. Il s’agit d’une exposition dont les œuvres sont le résultat de chaînes opératoires complexes et mettent au cœur de l’acte de création différents types de gestes techniques (la maîtrise de la voix, le dessin de la lettre, l’assemblage de matériaux, etc.) et qui engagent une diversité d’acteurs (artiste, assistants, techniciens, public, médiateurs). Rassemblant un ensemble de projets inédits produits au cours de l’année 2016, cette exposition est conçue comme une invitation à “faire faire”, c’est-à-dire à engager le spectateur dans des actions qui demandent la manipulation de l’écriture et une relation physique à l’écrit par un ensemble de procédures et d’objets graphiques à manipuler. Il s’agit dès lors de reproduire dans un livre numérique la manipulation des œuvres au moyen non seulement d’une documentation des pièces in situ mais également d’une remédiation des principes interactifs de l’œuvre originale. Quels nouveaux agencements pouvons-nous imaginer entre données textuelles, visuelles et sonores ? Quels gestes interactifs devons-nous imaginer en creux pour proposer au lecteur du livre numérique une expérience sensible proche de l’expérimentation de l’installation originelle dans l’exposition ? Outre le changement d’échelle et de nature, il s’agit de tirer parti des possibilités interactives des supports et écritures multimédias pour proposer de nouveaux modes de restitution du processus de création lorsqu’il est observé dans sa complexité.
Sophie Krier
Artiste, chercheuse associée à Ensadlab. « Field Essays, une recherche à plusieurs voix, sur comment mettre en lumière une posture de recherche en art/design ».
Field Essays (‘essais sur le terrain’) est avant tout une rencontre entre un savoir-faire particulier et une pensée contemporaine, incarnés dans deux postures de recherche à la croisée de l’art, du design et de l’écologie profonde. L’espace d’un voyage ou d’une résidence, je tente de faire entrer en résonance ces pratiques différentes. Le lieu où va se dérouler la rencontre deviendra une voix à part entière dans la conversation qui s’élaborera. Mon intention en tant qu’artiste modératrice est de créer les conditions qui vont permettre de faire émerger un ou des nouveaux points de vue capables de faire basculer nos idées premières d’un processus de création et d’une œuvre ou d’une pensée; puis je restitue l’essence de cette rencontre sous forme hybride (livre, audiobook, site, exposition, colloque, atelier) dont j’assure la rédaction. Le(s) question(s) soulevée(s) par les pratiques de mes invité.e.s, et par leur rencontre, sont mon fil conducteur. C’est un travail lent, proche de l’acupuncture, qui demande une écoute et une ouverture généreuse de la part de tous les intervenants impliqués.
L’anthropologue, philosophe et ingénieur des systèmes Gregory Bateson demandait : “What is the pattern that connects?” (Quel est le motif qui relie?) Les trois premières éditions de Field Essays ont adopté des formes éclectiques et fait émerger autant de points de vue fragmentaires. Je cherche à présent à repenser Field Essays comme un dispositif de rencontre de manière à pouvoir assurer une plus grande continuité des éditions, et à mieux rendre compte de ce qui les relie entre elles.
Franck Leibovici
Artiste et poète au sein des Laboratoires d’Aubervilliers. « Formes de vie des pratiques artistiques : dispositif d’écriture, enquête, exercices et routines ».
Pour re-former un objet ou réformer une notion (ce qu’est une “œuvre d’art”, par exemple), il est nécessaire de faire apparaître des dimensions jusqu’alors invisibilisées. mais modifier des représentations, ou en inventer de nouvelles, reste insuffisant : il faut également modifier les usages par l’émergence de nouvelles routines de perception ou d’action.
Une enquête implique toujours la mise en place d’un dispositif d’écriture. Si ce dispositif co-produit son objet d’étude (un terrain, un phénomène, un fait, un objet), il nécessite également une forme d’activation qui produira ces nouvelles routines – des séries d’actions, des formes de collectifs. le dispositif produit, par son activation répétée, une “forme de vie”.
Il y a peut-être ici une conception de l’enquête qui diverge de sa définition policière : l’enquête ne s’achève pas tant par une conclusion stabilisée, un ensemble de données précises, tel qu’un cabinet d’audit ou un institut de statistiques pourraient produire. plutôt, en reconnectant des éléments disjoints, elle fait apparaître des pratiques et des populations, et rend visible des “formes de vie” qu’elle parcourt ou cartographie. Le fond de l’air s’est modifié.
Armand Behar
Artiste. « Observer c’est créer ».
Durant 10 années j’ai tenu en parallèle de mon activité d’artiste, de créateur d’installations, un carnet de bord dans lequel j’ai consigné toutes mes recherches. L’objectif de cette activité était d’observer ma pratique avec pour ambition de représenter mon processus de création et au-delà de saisir les mouvements de ma pensée. Ce travail a nécessité un conditionnement au quotidien, c’est à dire la mise en place d’un protocole d’action m’amenant à définir un format d’édition, une charte graphique, un mode d’archivage,… une discipline de travail. En baptisant l’ensemble de ces carnets Histoire d’une représentation mon activité artistique a basculé de l’auto-analyse à l’auto-fiction. Mes carnets sont ainsi devenus l’oeuvre, le chemin est devenu l’objet.
L’observation a donc tenu une place centrale dans la définition de mon protocole d’action. Mais de quelle observation s’agit-il ?
Se pencher sur la question de l’observation nécessite de faire un petit détour du côté de la centralité du «savoir regarder» en art. L’oeil est l’outil de l’observation de l’artiste il structure le pensée-forme. Evaluer son travail passe par le regard.
On penche la tête pour évaluer l’équilibre d’une composition, on teste l’impact d’une lumière sur l’oeil, on tourne autour d’un objet pour jauger son échelle, on s’immerge dans un espace pour s’imprégner de l’ambiance,…
Mais observer ce qu’on produit n’est pas la même chose qu’observer son processus de création.
La finalité n’est pas la même, l’intentionnalité n’est pas la même. Créer des outils pour s’observer entrain de faire ne revient pas à créer des outils pour faire.
Le regard est tantôt un instrument d’évaluation du travail en cours pour prendre des décisions tantôt il est un outil de captation de ce qui se passe en vue d’une restitution, pour documenter le chemin parcouru, pour prendre conscience de sa démarche,…
Ce qui amène à se demander : entre observer ce qu’on produit et s’observer entrain de produire : Où en est le regard ? Que fait le regard quand il bascule d’une modalité à l’autre.
Samuel Bianchini
Artiste et enseignant-chercheur, EnsadLab, laboratoire de l’école nationale supérieure des Arts Décoratifs, Université PSL, Paris. « Audience Works. Étudier par l’image de nouvelles pratiques de l’image ».
Étudier par l’image de nouvelles pratiques de l’image, telle est une des ambitions d’Audience Works, longue série de photographies de spectateurs pratiquant des installations interactives dont la plupart intègrent de l’image. Ce travail photographique à visée analytique, maintenant une exigence esthétique, constitue un travail de recherche en même temps que de création, un travail mené par Samuel Bianchini, auteur de ces installations dont il est ainsi devenu l’observateur. À partir de prises de vue s’étalant sur plus de 6 années et 30000 photographies de 17 installations, a été publié un ouvrage à considérer aussi bien comme un livre d’artiste qu’au prisme d’un projet de recherche académique dans lequel cette démarche s’est inscrite. Le plus souvent publiées en série, les photographies d’Audience Works s’apparentent à des story-boards ou des sortes de “scénarios d’usage” a posteriori.
Renouant avec d’anciennes pratiques comme celle d’Edward Muybridge, d’Étienne-Jules Marey ou encore de Jean-Martin Charcot, cette démarche pose une problématique en même temps qu’elle tente d’y répondre : peut-on proposer une “étude”, une analyse, des développements, une réflexion, uniquement par l’image, par une série d’images ? Quelle dimension particulière, que l’on ne pourrait parvenir à développer par le texte, un tel travail avec l’image peut-il revêtir ? Plus simplement : pourquoi l’image plutôt que le texte ?
Vous trouverez ici le programme de la deuxième journée d’études organisée dans le cadre du projet “Prendre le parti des choses”. Intitulée “Approches matérielles et processuelles de la création”, cette journée aura lieu le 20 juin prochain de 9h30 à 18h à l’EHESS, salle 13 au 105 bd Raspail.
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LECLERCQ Christophe, Le projet E.A.T, Datascape ou ce que le design numérique peut faire à l’histoire sociale de l’art, Paris, École du Louvre, 2017.
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
techniquesetculture (23 mai 2018). Formes d’écriture et processus de création. Le carnet de Techniques & Culture. Consulté le 18 janvier 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/unxg
